Monalisa

Sua pintura foi iniciada em 1503 e é nesta obra que o artista melhor concebeu a técnica do sfumato. O quadro representa uma mulher com uma expressão introspectiva e um pouco tímida. O seu sorriso restrito é muito sedutor, mesmo que um pouco conservador. O seu corpo representa o padrão de beleza da mulher na época de Leonardo. Este quadro é provavelmente o retrato mais famoso na história da arte, senão, o quadro mais famoso e valioso de todo o mundo. Poucos outros trabalhos de arte são tão controversos, questionados, valiosos, elogiados, comemorados ou reproduzidos. Muitos historiadores da arte desconfiavam de que a reverência de Da Vinci pela Mona Lisa nada tinha a ver com sua maestria artística. Segundo muitos afirmavam devia-se a algo muito bem mais profundo: uma mensagem oculta nas camadas de pintura. Se observarem com calma verá que a linha do horizonte que Da Vinci pintou se encontra num nível visivelmente mais baixo que a da direita, ele fez com que a Mona Lisa parecer muito maior vista da esquerda que da direita. Historicamente, os conceitos de masculino e feminino estão ligados aos lados - o esquerdo é feminino, o direito é o masculino

Obs: A pintura a óleo sobre madeira de álamo encontra-se exposta no Museu do Louvre, em Paris, com o nome oficial de Lisa Gherardini, mulher de Francesco del Giocondo, e é a sua maior atração.


Leo Godoi

Tete j

Artista: Joan Miró

Aluno: Leo Godoi

Deus cria o primeiro homem.

A Criação de Adão é um afresco de 280 cm x 570 cm, pintado por Michelangelo Buonarroti por volta de 1511, que figura no tecto da Capela Sistina. A cena representa um episódio do Livro do Gênesis no qual Deus cria o primeiro homem: Adão.
Deus é representado como um ancião barbudo envolto em um manto que divide com alguns anjos. Seu braço esquerdo está abraçado a uma figura feminina, normalmente interpretada como Eva – que ainda não foi criada e, figuradamente, espera no céu para ganhar uma forma humana. O braço direito de Deus está esticado para criar o poder da vida de seu próprio dedo para Adão, o qual esta com o braço esquerdo estendido em contraposição ao do criador. Os dedos de Adão e de Deus estão separados por uma pequena distância.
A composição é obviamente artística e não literal, já que Adão é capaz de alcançar Deus mesmo antes de ter ganho vida. Pela mesma razão, Eva é vista representada antes de sua própria criação. Esse motivo levou algumas pessoas a acreditar que a figura feminina fosse a primeira esposa mística de Adão, Lilith; Entretanto, essa interpretação não faz o menor sentido por Lilith também ter sido criada depois de Adão.
As posições de Deus e Adão, a pintura do braço direito de Deus e esquerdo de Adão são quase idênticas e representam o fato de que, como diz o Gênesis 1:27, Deus criou o homem à sua imagem e semelhança. O dedo indicador de Adão, a mais famosa representação do afresco, não é de facto um trabalho de Michelangelo. Ele foi danificado durante reparos de um desabamento em meados do século XVI e foi repintado por um restaurador do Vaticano.

Ana Clara de Oliveira

Tuna Fishing

Pesca de Atum (Homenagem a Meissonier) foi pintado por Salvador Dalí em 1966-1967 e é visto por muitos como uma das últimas obras-primas de Dalí
. Cheio caoticamente com a luta violenta dos homens na imagem e os peixes grandes. A facadas faca dourada no peixe eo mar azul-turquesa fica vermelho de sangue.

Rayana Vilela Pimentel

A Lição de Anatomia do Dr. Tulp - Rembrandt

A Lição de Anatomia do Dr. Tulp, é uma pintura a óleo sobre tela de Rembrandt, pintada em1632. É uma de suas obras mais famosas e revolucionárias.

A obra retrata uma aula de anatomia do doutor Nicolaes Tulp. O corpo que aparece no quadro é de um marginal que havia sido condenado à morte por assalto a mão armada no dia anterior à lição. Lições de anatomia realmente existiam e aconteciam em anfiteatros,dadas por doutores anatomistas.

Aluno: Ian Gabriel P. de Castro

Oi galeraa!.Na obra de Sandro Botticelli, “O Nascimento de Vênus”, a deusa do amor é retratada nua, absoluta, sensual, totalmente profana, como o seu mito eterno.Vênus nasceu da espuma do mar. Quando Saturno (Cronos) cortou os testículos do pai, Céu (Urano), destronando-o, atirou-os ao mar. Dos testículos amputados de Urano, uma grande espuma foi formada no mar, de onde nascia Vênus, ou Afrodite, a mais bela de todas as deusas.É este momento sublime, o nascimento da deusa do amor, que nos retrata a bela obra de Botticelli. Ao nascer no meio do mar, Vênus é amparada por uma grande concha de madrepérolas. Uma Vênus nua, de cabelos longos e dourados, é apresentada no centro da obra, com todo o seu esplendor. Delicadamente, com uma das mãos cobre um dos seios, e com a outra mão, conduz a longa cabeleira dourada a esconder-lhe o sexo divino. Vênus aparece nua e a insinuar a nudez, sutilmente coberta, pronta para ser revelada.Zéfiro surge à esquerda de Vênus, abraçado à sua eterna companheira, a ninfa das flores, Cabe ao vento do oeste soprar a bela deusa para a ilha de Chipre. Clóris sopra sobre a deusa singela e belas violetas. Á esquerda, já na ilha de Chipre, está uma das Horas, que prepara uma túnica imortal para cobrir a deusa do amor.“O Nascimento de Vênus” é ao lado da estátua da Vênus de Milo, a representação mais conhecida do mito de Vênus-Afrodite. Tornou-se uma das obras mais difundidas nos tempos atuais, eternizando o seu criador. É um dos ícones mais representativo do Renascimento.
Laura Peres Seabra

Abaporu - Tarsila do Amaral

Oi gente! Abaporu é o quadro mais importante já produzido no Brasil. Tarsila pintou um quadro para dar de presente para o escritor Oswald de Andrade, seu marido na época. O nome Abaporu que significa 'o homem que come', inspirou Oswald a escrever o Manifesto Antropófago e posteriormente o Movimento Antropofágico, que tinha a intenção de "deglutir" a cultura européia e transformá-la em algo bem brasileiro. Este Movimento, apesar de radical, foi muito importante para a arte brasileira e significou uma síntese do Movimento Modernista brasileiro, que queria modernizar a nossa cultura, mas de um modo bem brasileiro. O "Abaporu" foi a tela mais cara vendida até hoje no Brasil, alcançando o valor de US$1.500.000. Foi comprada pelo colecionador argentino Eduardo Costantini. Bom, é isso! beijos Maria Eduarda Gragnani

Jane Avril - Henri de Toulouse-Lautrec (1899)

Galera, escolhi essa obra do pintor Lautrec pois ela têm uma ligação direta de Arte com Publicidade. Lautrec foi um pintor pós-impressionista conhecido por pintar a vida boêmia de Paris no final do século XIX. Revolucionou o design gráfico dos cartazes publicitários, ajudando a definir o estilo que seria posteriormente conhecido como Art Nouveau.
Lautrec não apenas faz pinturas, como também cartazes promocionais dos cabarés e teatros, fazendo-se presente na revolução da publicidade do século XIX, onde a arte deixa de ser patrocinada e financiada apenas pela Igreja e os nobres, para ser comprada e utilizada pelo comércio crescente gerado pela Revolução Industrial. O cartaz litográfico colorido é uma nova ferramenta de divulgação de locais de lazer parisienses.
Sua habilidade em capturar as pessoas em seu ambiente de trabalho, com a cor e o movimento da pululante e opulenta vida noturna porém sem o glamour. Usava muito vermelho, em geral de maneira contrastante, usava o cabelo cor de laranja e a cor verde limão para traduzir a atmosfera elétrica da vida noturna. Era um mestre do contorno, podia retratar cenas de grupos de pessoas onde cada pessoa é individual (e na época podia ser identificada apenas pela silhueta). Sua pintura é gráfica por natureza, nunca encobria por completo o traço forte do desenho. O contorno simples era a "marca registrada" de Lautrec desde o início da carreira como designer de cartazes. Não pintava sombras. Sua pinturas sempre incluiam pessoas (um grupo ou um indivíduo) e não gostava de pintar paisagens.

Obs.: Jane Avril foi uma dançarina francesa do can-can e uma das musas do pintor pós-impressionista Henri de Toulouse-Lautrec.

Reginaldo Mikael Nakano

Vanessa Bazi ---- ROMERO BRITTO ---

A Absolut Vodka, dona da marca de vodka mais conhecida do mundo convidou Romero Britto, pela segunda vez consecutiva, para projetar sua garrafa comemorativa do 25o aniversário da empresa.

Além disso, Britto projetou uma embalagem de presente para duas garrafas da preciosa Vodka. Mais de 850.000 embalagens foram produzidas, e, rapidamente, tornaram-se artigos de colecionadores.

Os anúncios da Absolut Britto foram divulgados na USA Today e US Magazine, entre outras publicações.
Romero é conhecido como artista pop brasileiro, sendo radicado em Miami. Suas obras caíram no gosto das celebridades por sua alegria e sua cor, tendo sido alçado para a fama ao realizar a ilustração de uma campanha publicitária para a vodca Absolut. Começou no mundo do "grafite" e hoje é o artista preferido de vários atores e atrizes hollywoodianos. Porém nunca obteve sucesso com a crítica especializada, uma vez que se trata de um artista cujo trabalho é por demais determinado pela indústria cultural, sendo impossível distinguir até que ponto seu trabalho deve ser visto como arte ou como prática de marketing.

O Grito é uma pintura do norueguês Edvard Munch,no ano de 1893.É um momentos de profunda angústia e desespero existencial,onde a fonte encontrada para essa obra foi a vida do própio artista,sempre teve a vida muito sofrida,e um dia passeando por uma ponte com amigos se viu nessa cena:

''Passeava com dois amigos ao pôr-do-sol – o céu ficou de súbito vermelho-sangue – eu parei, exausto, e inclinei-me sobre a mureta– havia sangue e línguas de fogo sobre o azul escuro do fjord e sobre a cidade – os meus amigos continuaram, mas eu fiquei ali a tremer de ansiedade – e senti o grito infinito da Natureza.''

Escolhi essa tela,pelo motivo de acha-lá muito expressiva,essas misturas de cores fortes representa um sentimento amargurado e triste.Boa tarde á todos.

Camila Marinho Mendes.

Mercado de escravos com o busto de Voltaire desaparecendo (Salvador Dali/1940)

Bom gente, essa é uma das obras do qual mais gosto. O surrealismo faz a gente "viajar" procurar outras figuras, sentidos, histórias.

Pode se ver dois mercadores de escravos e alguns negros. Um deles, está de joelhos, como se pedindo clemência, diante de um dos mercadores. Esta imagem mostra subliminarmente, dentro da arcada,o busto de um idoso, Voltaire, que era contra a abolição da escravatura. Dali, se utilizou da arte para criticar a escravidão. Experimente olhar a imagem, com os olhos meio fechados: O arco entre as colunas é a cabeça; as cabeças dos dois mercadores formam os dois olhos de Voltaire.

By : Antônio Vinicius Bastos

Pitoresco

A partida de Xadrez. 1943

Vieira da Silva

óleo sobre tela e traços de carvão, 81x100cm.

Esta obra é muito interessante pois os jogadores se confundem com o fundo que por sua vez se confunde com o tabuleiro.A autora Maria Helena Vieira da Silva 1908/1992 era portuguesa e foi naturalizada francesa, também chegou a morar no Brasil.

Marcos Antonio

Lua nova

A Lua Negra, que é associada à Lilith, a primeira mulher de Adão, cujo sexo se abria no cérebro, está ligada essencialmente às noções do intangível, do inacessível, da presença desmedida da ausência, da hiperlucidez dolorosa, de tão intensa. Mais que um centro de repulsão oculto, as Lua Negra encarna a solidão vertiginosa, o Vazio Absoluto (...).
Está sempre ligada a fenômenos extremos, oscilando entre a recusa e a fascinação. Se não atinge o Absoluto, que procura apaixonadamente, o ser marcado pela Lua Negra prefere renunciar ao mundo, mesmo que ao preço de sua própria destruição ou do aniquilamento de outra pessoa. Mas se o ser sob a influência da Lua Negra consegue transmutar o veneno em remédio, ela permite o acesso á porta estreita da luz (...). A Lua Negra, assim, designa uma via perigosa, mas que pode conduzir de maneira abrupta ao centro luminoso do Ser e à Unidade.

Jacek Yerka é um Polaco com 55 anos que muito cedo começou a sua incursão pela área artística. Oriundo de uma família virada para as artes - ambos os pais frequentaram a Academia de Belas Artes - toda a sua infância esteve rodeado de materiais que cativaram a sua atenção para o desenho e pintura. As suas primeiras memórias de infância são unicamente esboços, cheiro de pinturas, tinta, papel e pincéis.

Aluno: Mateus Adjuto Martins Graff

Heart - Keith Haring

Graziella Alves.

Bom, escolhi uma arte do Keith Haring por que achei interessante ele usar a arte do grafite de uma forma mais espontanea, ele representa uma arte moderna que me chamou atenção.
o artista foi um estudate de Dsigner grafico e interrompeu o curso para morar me nova york, onde iria descobrir o grafite, ja começava a tomar as ruas desenhando em paineis publicitarios vazios no metrô.
e foi nesses trabalhos, que Haring desenvolveu grande parte do seu vocabulario visual que viria a ser sua marca registrada.

Entre as montanhas da sierra nevada - Albert Bierstadt

Entre as montanhas da sierra nevada, de Alber Bierstadt, geraçÃo do romantismo.

Aluno: Gustavo Alves de Almeida Santos

- Oi geeente que está lendo ? Sou Hector Esbaltar e minha proposta é a Arte Gótica.

Jan van Eyck foi um pintor flamengo do século XV, irmão de Hubert van Eyck e pupilo de Robert Campin. Foi também o fundador de um estilo pictórico do estilo gótico tardio, influenciando em muito o Renascimento nórdico. Como tal, é visto como o mais célebre dos primitivos flamengos. Foi um pintor igualmente caracterizado pelo naturalismo, imperando na sua obra meticulosos pormenores e vivas cores, além de uma extrema precisão nas texturas e na busca por novos sistemas de representação da tridimensionalidade, ou seja, a perspectiva.

Bom Pessoal, sei que já vimos essa imagem, e não tive nem uma pretensão em postá-la, na verdade eu a achei muito interessante e resolvi colocá - la como uma representante da pintura Gótica. E o que eu achei interessante também é que não se sabe ao certo o que a imagem representa, embora a tese mais aceita seja o matrimônio. Não vêem ai um certo mistério ?? Quem sabe até mesmo intencional. A obra exibe o então rico comerciante Giovanni Arnolfini e sua esposa Giovanna Cenami, que se estabeleceram e prosperaram na cidade de Bruges (hoje Bélgica), entre 1420 e 1472

E o principal motivo para que eu postasse essa foto, claro, é o reflexo do espelho.. Gente, olha pra isso ?? Não é perfeito ?? acho legal por que parece meio que uma transição e, tipo, parece ter um pouco de Realismo, não sei dizer e não vou me arriscar sou para ARTE o que SABRINA SATO é para o INGLÊS. Bom , mais espero que tenham gostado :D

A Persistência da Memória - Salvador Dalí

Salvador Dalí foi um pintor espanhol nascido em 11 de Maio de 1904, em Fingueres, onde também morreu. Este quadro é um dos mais famosos deste pintor, no entanto, com apenas 24 x 33cm de medida, não foi um dos seus maiores em tamanho. Em bora os trabalhos do pintor tenham traços surrealistas, o mesmo introduz na sua criação um método próprio, ao qual nomiou "crítico-paranóico", já que em suas pinturas ele retrata cenas bizarras misturadas com cenas imaginárias. No quadro "A Persistencia da Memória" ele retrata uma cena parecida com uma praia, mas tambem objetos como uma mesa, e relógios derretendo ou quebrados, como se estivessem perdidos no tempo, se desgastando, assim como nós muitas vezes nos perdemos em nossas memórias de tempos passados e também nos perdemos na nossa preocupação com o tempo em si, o tempo que tivemos e ainda iremos ter.

Aluna: Gabriella Paula

''Retrato''

pintor:Auguste Toulmouche

nascido na França na cidade de Nantes no século XVIII,

(1829-1890)

A pintura mostra a sensibilidade da mulhere a delicadeza que possue ao executar simples gestos como segurar algo apoiar-se numa mesa.Observamos também a perfeição dos movéis,das roupas,das flores e da beleza da mulher.

Através das características apresentadas pela pintura,concluimos que a mulher pertencia a classe alta da sociedade.

Vívian Amanda Gondim Gonçalves.

Surrealismo

Metamorphosis - Vladmir Kush

15.7 "x 11.8"

Pintor Russo, que se identifica com o 'Surrealismo de Metamorfose" ou "Fine Art".

Aluno: Bruno Adan Vieira Haringl.

O Realismo

O Violeiro, 1899

O Realismo foi um movimento artístico que se manifestou na segunda metade do século XIX que se caracterizava pela intenção de uma abordagem objetiva da realidade e por interesses sociais. O Realismo representa uma reação ao subjetivismo do Romantismo. Sua objetividade sem conteúdo ideológico leva ao naturalismo. Assim muitas vezes Naturalismo e Realismo se confundem.
Almeida Júnior foi o primeiro artísta plástico brasileiro a retratar em suas telas o homem do povo, do interior em seu cotidiano, com destaques para personagens simples e anônimos o que até então era inédito na produção acadêmica brasileira.


By: Bárbara Silva

Claude Monet

Aluna: Ana Paula Ferreira










Quadro: Impressão, nascer do sol
Pintor: Claude Monet

Sabia que foi esse quadro acima que deu origem ao nome do movimento impressionismo?
Pois é. Esse termo surgiu depois que o pintor e escritor Louis Leroy fez uma crítica ao quadro de Claude Monet, dizendo: "Impressão, nascer do Sol” – eu bem o sabia! Pensava eu, justamente, se estou impressionado é porque há lá uma impressão. E que liberdade, que suavidade de pincel! Um papel de parede é mais elaborado que esta cena marinha."

O nome do quadro foi usado originalmente de forma pejorativa, mas Monet adotou o título, sabendo da revolução que estava iniciando na pintura.

Características importantes que se pode observar no quadro (e na pintura impressionista) são:
- A pintura mostra as tonalidades que os objetos adquiriram ao refletir a luz do sol num determinado momento.
- A figura não tem nenhum contorno nítido, pois o desenho tem de ser o principal meio estrutural do quadro e não apenas a mancha/cor.
- As sombras são luminosas
- Podemos afirmar que a mistura de cores é optica e não técnica, pois essa é uma das principais características da pintura impressionista.

'Impressão, nascer do sol' foi pintado em 1872, ele é uma paisagem do Havre (comuna francesa), e foi exibida na primeira exposição impressionista em 1874.

Aluna: Rhayssa Kückelhaus

Autor: Tarsila do Amaral

Titulo: Carnaval em Madureira

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Bem o professor Leandro pediu-nos para comentar sobre a pintura, então vamos lá.

Tarlisa do Amaral foi inicialmente conheçida por seu trabalho junto com Oswald de Andrade e Mário de Andrade na eterna semana da Arte Moderna, os três dias que chocaram o Brasil e claro como Oswald, Mário e Tarsila tinham influência fora, a semanada teve quase os mesmos impactos em alguns países do exterior .

O tema central da arte de Tarsila caracterisa-se pela "carnavalização" do povo brasileiro, assim como é dito no livro de Mário de Andrade - Macunaíma. A gozação que tais utilizavam-se para ironizar, criticar, e questionar a "raça" do brasileiro. Ao observar a imagem pode-se notar que tais são altamente impostos pelas tonalidades de cores, ou de certa forma as cores primitivas, pois Tarsila brincava com essa ideia da infantilidade, a falta de geometria, as formas alongadas algumas representações que dessacraliza a arte, como assim disse nas obras de Picasso, já que seu objetivo junto com a celebração da Semana Da Arte Moderna era justamente essa, a dessacralização da arte e de tudo o que já havia sido inventado.

Para começar com as raças, veja as palmeiras, morros e claro as cores verde e amarela, temos então a presança do índio brasileiro. Agora repare nas mulheres com corpos alogados, esguios, a pele morena, os acessórios, tudo isso representa a cultura africana, o negro que veio para ser explorado pelos colonizadores. Agora, repare no centro da imagem, a fiel representação do europeu: a Torre Eiffel, repare novamente nas mulheres, mas dessa vez nas que estão perto da Torre, veja como elas são rechonchudas, isso caracteriza a mulher europeia que na época era vista como mulher boa aquela que tinha "carne","porte", para procriar e criar.

Portanto, apresento-lhes uma imagem que saiu dos movimentos promitivistas da Semana da Arte Moderna. Uma pintora que sempre apoiava-se na importâncias das vanguardas europeias, acreditava na liberdade de expressão incorporando o cotidiano e a "linguagem coloquial" com o tom de infantilidade em suas telas.

Beijos, Rhayssa

Cruella De Vil

Keith Haring - Graffitti

"O graffiti ao utilizar o meio urbano como forma de expressão, contrario aos demais movimentos artísticos , que se inserem na sociedade através de um trabalho muitas vezes planejado e exposto em galerias e museus , faz com que seja bastante questionado. Um dos aspectos conceituais mais interessantes encontrados nessa linguagem (graffiti), é sem duvida, a questão da proibição, sempre presente , talvez um preconceito ou mesmo uma falta de informação a respeito do que acontece e a arte final prescrita no muro , faz com que muitos da população ajam a favor dessa proibição, ao visualizar esse tipo de ação. Ao observamos essa opressão, ou melhor dizendo essa proibição , percebemos que ela está ligada ao conceito de propriedade privada, ou seja, o que pensara o proprietário do espaço ao ver sua propriedade graffitada , sem sequer ser comunicado .

Engloba uma questão bastante ideológica ao nos referirmos a esse aspecto , porem a de convir que o graffiti por sua natureza intrínseca, sempre será marginal. Mas se focalizarmos o aspecto de pratica com as técnicas, de proposta de trabalho e de amadurecimento das obras , reconheceremos, num primeiro momento, uma fase de domínio marginal. Fase em que os artistas em "roles" pelas ruas da cidade pesquisavam e realizavam o graffiti basicamente preto e branco. Porem esse estilo, se é que podemos taxar dessa maneira, ainda tem suas raízes atuais , o fato de fazer graffitis com pouca elaboração e de maneira ilegal ainda aflora-se na mente dos artistas , assim podemos confirmar observado-se a cidade como um todo, e que em sua maioria é tomada por esse estilo, descrito como bombing , ou mesmo thronw-up, numa representação espontânea."

A sociedade é feita de transformações, portanto, a arte acaba se inserido nessa ideia. O graffitti é um exemplo disso, pois o ambiente em que é realizado, as ideias que divulga e os responsáveis pelas obras são todos parte da atual sociedade, que, obviamente, se diferencia das sociedades do passado, porém, carrega em si influências dessa história ao compor pinturas como a de Keith, que retrata a mensagem real de um famoso desenho, adorado por várias pessoas.

Aluno: Thiago

Marilyn Monroe Pop Art

Andy Warhol

Aluna: Daniela Lopes

Stephanie

Heart Kids

Pop Art
Artista:Romero Britto


Romero é conhecido como artista pop brasileiro, sendo radicado em Miami. Suas obras caíram no gosto das celebridades por sua alegria e sua cor, tendo sido alçado para a fama ao realizar a ilustração de uma campanha publicitária para a vodca Absolut. Começou no mundo do "grafite" e hoje é o artista preferido de vários atores e atrizes hollywoodianos.
Aos 8 anos começou a mostrar interesse e talento pelas artes. Com muita imaginação e criatividade, pintava em sucatas, papelão e jornal.
Aos 14 anos fez sua primeira exibição pública e vendeu seu primeiro quadro à Organização dos Estados Americanos. Embora encorajado por este sucesso precoce, as circunstâncias modestas de sua vida o motivaram a estabelecer metas e a criar seu próprio futuro.
Na maioria das obras de Romero Britto, ele usa textura gráfica e, geralmente, elas tratam de assuntos importantes para o dia-a-dia. Suas obras, na maioria das vezes, não são exatamente iguais à realidade, pois apresentam linhas, pontos, divisões e fragmentos de sua assinatura.

Aluno: Celio Junior

Futurismo

Pop Arte

Balonê

Estilo: Pop Arte

Artista: Romero Britto

Aluna: Ana Carolina Sousa Jorge

Romero Britto é conhecido como artista pop brasileiro onde suas obras caíram no gosto das celebridades por sua alegria e cores fortes. Peças publicitarias passaram a utilizar as obras de Romero pelo seu estilo diferente e inovador que transmiti um alto astral. A pop arte é um movimento artístico que se iniciou na década de 1950, na Inglaterra e Estados Unidos.